Deux nouvelles culturelles tombées la même semaine, en apparence sans lien, racontent pourtant la même histoire : celle d'une industrie musicale québécoise qui ne vit plus, ou plus assez, de la vente d'enregistrements.
D'un côté, Radio-Canada annonce un Notre-Dame de Paris en version symphonique, avec Pierre Lapointe dans le rôle de Gringoire et Marc Hervieux en Quasimodo. De l'autre, TVA Nouvelles rapporte qu'une pièce du producteur électro montréalais CRi a été retenue par Apple pour une campagne publicitaire mondiale — « c'est beaucoup d'argent qui change une vie », résume l'artiste dans l'entrevue.
Relecture prestigieuse d'un catalogue éprouvé d'un côté. Licence commerciale internationale de l'autre. Ce sont deux stratégies de survie, et elles en disent long sur l'état réel du marché.
Le retour d'un mastodonte, en version orchestre
Rappelons l'ampleur du phénomène. Notre-Dame de Paris, spectacle musical signé Luc Plamondon et Richard Cocciante, a été créé à Paris en septembre 1998 avant de débarquer à Montréal en 1999. L'œuvre a été traduite dans une dizaine de langues et jouée dans des dizaines de pays, avec des millions de spectateurs cumulés. Ses chansons — Belle, Le temps des cathédrales, Vivre — appartiennent désormais au répertoire commun de la francophonie, au même titre que les grands standards.
Et c'est précisément là que réside la logique de l'opération symphonique. Un producteur qui monte une nouvelle création musicale part de zéro : notoriété à bâtir, public à convaincre, risque financier maximal. Un producteur qui remonte Notre-Dame de Paris avec orchestre part avec une reconnaissance quasi universelle et une clientèle nostalgique déjà identifiée, souvent prête à payer davantage pour une expérience « augmentée » — la formation symphonique jouant ici le rôle de valeur ajoutée justifiant le prix du billet.
La distribution n'est pas un hasard non plus. Pierre Lapointe, autrement dit un artiste qui a bâti sa carrière sur l'écriture personnelle et l'esthétique de l'auteur-compositeur, endosse ici le costume de Gringoire, le personnage-narrateur créé par Bruno Pelletier. Marc Hervieux, ténor formé au classique et rompu au croisement des genres, incarne Quasimodo. On assemble un pont entre la chanson d'auteur, l'art lyrique et le grand public. C'est une équation commerciale autant qu'artistique.
Pourquoi le symphonique est devenu un réflexe
Le modèle du « spectacle symphonique » s'est imposé partout depuis une quinzaine d'années. On l'a vu avec des trames sonores de films projetées en salle, avec des hommages à des groupes rock, avec des relectures de catalogues pop. Au Québec, l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Orchestre Métropolitain et divers ensembles régionaux ont multiplié les collaborations avec des artistes populaires.
La raison est structurelle : le disque ne finance plus rien. Selon les données de la Fédération internationale de l'industrie phonographique, le marché mondial est aujourd'hui dominé à plus des deux tiers par les revenus d'abonnement et de diffusion en continu. Or ces revenus, une fois répartis entre les plateformes, les maisons de disques, les éditeurs et les auteurs, laissent une fraction infime à l'artiste par écoute. Il faut des dizaines de millions de lectures pour approcher un salaire annuel décent.
Résultat : le spectacle est redevenu le cœur économique du métier. Et dans un marché de spectacles saturé — où les tournées internationales occupent les grandes salles et où la billetterie subit l'inflation générale —, la certitude vaut de l'or. Un titre connu de tous, une orchestration inédite, des interprètes aimés du public : le risque est comprimé au minimum.
Le revers, évidemment, c'est l'effet d'éviction. Chaque soirée consacrée à une relecture est une soirée qui n'ira pas à une création nouvelle. On peut se réjouir que le patrimoine musical québécois et francophone circule; on peut aussi s'inquiéter qu'une part croissante de l'offre en salle repose sur des œuvres écrites il y a trente ans.
La synchronisation, ce revenu devenu vital
À l'autre bout du spectre : CRi. Le producteur originaire de Saint-Sauveur, de son vrai nom Christophe Dubé, s'est fait connaître par une électronique mélodique et texturée, publiée notamment chez le label montréalais Bonsound, et par des collaborations remarquées dans la sphère indie-électro. Il fait partie de cette génération d'artistes québécois qui ont trouvé leur public d'abord en ligne, puis en festival.
Qu'Apple choisisse une de ses pièces pour une campagne mondiale, ce n'est pas un simple coup de chance médiatique. C'est un contrat. Dans le jargon de l'industrie, on parle de synchronisation : la licence accordée pour associer une œuvre musicale à une image — publicité, film, série, jeu vidéo. Ce marché est devenu l'un des rares segments où une pièce peut générer, en un seul geste, l'équivalent de plusieurs années de redevances de diffusion en continu.
La formule de CRi rapportée par TVA Nouvelles — « beaucoup d'argent qui change une vie » — mérite d'être prise au sérieux. Pour un artiste de musique instrumentale ou électro, dont les chansons n'ont pas de paroles et circulent donc moins à la radio commerciale, la synchronisation n'est pas un bonus : c'est souvent le seul levier capable de financer un album, une tournée, une équipe.
Et Apple a un historique très documenté en la matière. L'entreprise a lancé plusieurs carrières par ses publicités : les campagnes iPod du milieu des années 2000 ont propulsé Feist et son 1234 vers un succès mondial, phénomène abondamment analysé à l'époque par la presse musicale internationale. Une pub Apple, c'est une exposition planétaire simultanée que même un budget de promotion majeur ne peut acheter.
Ce que chaque voie coûte au créateur
Ces deux stratégies fonctionnent. Elles imposent aussi des compromis distincts.
La voie symphonique demande à l'artiste de se mettre au service d'une œuvre qui n'est pas la sienne. Pierre Lapointe interprétera des textes de Luc Plamondon sur des mélodies de Richard Cocciante. C'est un travail d'interprète, légitime et exigeant, mais ce n'est pas de la création. Pour l'écosystème, la valeur circule vers les ayants droit d'un catalogue existant plutôt que vers de nouvelles écritures.
La voie de la synchronisation, elle, place l'œuvre au service d'une marque. La musique devient l'accompagnement émotionnel d'un produit. Certains artistes y voient une contradiction avec leur démarche; d'autres estiment qu'à l'heure où les plateformes rémunèrent si mal, refuser une licence relève du luxe. Le débat, qui divisait les milieux indie il y a vingt ans, s'est largement dissipé : la question n'est plus « faut-il vendre sa musique à une pub », mais « à quelle marque, à quelles conditions, et en gardant quels droits ».
Il y a une différence importante entre les deux, cela dit. Dans le cas de CRi, l'artiste conserve la paternité de son œuvre et son catalogue en sort valorisé. Une pièce entendue par des millions de personnes dans une campagne mondiale continue ensuite de vivre en diffusion en continu, en spectacle, en licence subséquente. C'est un investissement dans une carrière, pas seulement un cachet.
Deux voies complémentaires, un même trou
Au fond, ces deux nouvelles pointent le même angle mort : l'absence d'un modèle qui rémunère correctement la création originale récente sans passer par la nostalgie ou par une marque commerciale.
Le Québec dispose pourtant d'un appareil de soutien parmi les plus développés au monde. La SODEC, Musicaction, le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada financent production, tournées et rayonnement. Le récent débat entourant les quotas de contenu francophone sur les plateformes, encadré par la Loi sur la diffusion continue en ligne adoptée à Ottawa en 2023, vise justement à corriger le déséquilibre entre l'audience réelle de la musique d'ici et sa rémunération.
Mais les subventions financent la fabrication, pas la vie quotidienne des artistes après la sortie. C'est là que le symphonique et la synchronisation prennent le relais : l'un remplit les salles, l'autre remplit le compte de banque.
On peut applaudir les deux — un Notre-Dame de Paris orchestral bien fait est un plaisir authentique, et une pièce québécoise dans une pub Apple est une victoire d'exportation réelle. Mais il faudra rester attentif à ce que ces deux béquilles ne deviennent pas la structure porteuse. Une scène musicale en santé se mesure aussi à la place qu'elle laisse aux œuvres que personne ne connaît encore.